KUNSTFREIHEIT

16.05.19, 07:18 https://epaper.zeit.de/webreader-v3/index.html#/870489/42

 

Lieber Herr Ullrich, 

Die Frage nach (dem Verlust) der Freiheit und Autonomie der Kunst ist hochaktuell und es ist wichtig, dass Sie dieses Thema in der Oeffentlichkeit Aufmerksamkeit erhaelt. Jedoch stimme ich Ihrer Analyse nicht zu.

Kunstfreiheit wird hier mit Meinungsfreiheit verwechselt.

Der groesste Angriff auf die Freiheit von Kunst ihre katastrophalste Zensur kommt von dem Ruf nach einer totalen Demokratsierung von Kunst.

 

Der Freiheitsverlust ist, paradoxerweise in den Kunst der Nachkriegsjahre mit begruendet genau zu der Zeit als Kunstfreiheit in Artikel 5 Absatz 3 im deutschen Grundgesetz verankert wurde  - mit der Absicht, einer Wiederholung der Machtuebernahme/Kontrolle durch einen Staatsfuehrer, so wie es 1933 durch Hitler geschah, ein fuer alle Male vorzubeugen.

 

liegt in der Abschaffung der Frage "Was ist Kunst?" und Abschaffung der Frage nach eine Grenze in der Kunst. 

Begriffe wie Sinnstiftung sind ersetzt durch -angewandte- Relevanz,

freie Kunst in diesem Sinne durch angewandte Kunst.

 

Aehnlich wie  in Ihrem Artikel "Zwischen Dekor und Diskurs" ziehen Sie die  sie eine Spaltung/ein Schisma 

 

 

  1. For artists to have lost a true understanding of their own freedom is the epitome of the wider crisis engulfing societies worldwide.

  2. In Germany, much attention is currently given to the question of 'freedom of art'. However, in the public debate, this is framed as the question whether art and artists are today also free to express views which are regarded as politically incorrect, such as fascist, racist or sexist views - and which thus (appear to) contradict one of the Culture Industry's most central tenets: political correctness and democratisation.(4) 

  3. However, fascist or racist views expressed in a medium associated with art (ideally oil paint and canvas) only purport to contradict the Culture Industry's standards (of democratisation and political correctness).

  4. Expressing fascist or racist views is simply one of the most provocative acts possible at this moment in time. The provocation creates a spectacle which functions as click-bait, provoking and providing guaranteed and instant -if not vast- amounts of attention. It guarantees that the media, journalists, critics and audience alike are attracted to this provocation like flies. The success of the provocation is expressed in 'clicks', articles and books.

  5. Rightwing provocation in art, including attacks on gender and religious equality, guarantee that the artist and the work will be given not only vast amounts of media attention but will be given a place within the contemporary art history. 

  6. Expressing fascist or racist views in a medium associated with art is therefore fully compliant with the Industry's standards - and not an expression of freedom.

  7. Expressing provocative views in art must be seen as a coup by the career-oriented media-savvy artist or art critic. The same can be observed in politics where the spectacle of right-wing provocation again proves to be highly successful.)

  8. Anyone entering into the public debate about this type of work automatically receives attention and thus raises their own public profile.

  9. "Those who thrive in this world are the ones who understand that it is about spectacle and not substance. Spectacle is the central feature of the media and substance is peripheral. Fascism is all about symbol, sensation and spectacle. So by creating a political world of spectacle, as opposed to a world of substance, you actually create outlets and openings for fascism. The rise of the far-right across the world to some extent is the result of the complete degradation of journalism [the complete degradation of art and culture]. Good reporting [serious artistic enquiry] requires real depth, it requires knowledge, it requires research, it requires time, it requires money. Sure there are still some great journalists [artists], but they work at the margins. Whereas the journalists [contemporary artists] whose work is central are the ones who do the least actual journalism [original, autonomous and self-determined work]. They are the ones who mouth pre-existing positions. In the extreme case, they are the newsreaders who read somebody else's script."(5)

  10. Thus the debate about whether, for example, artistic freedom is restricted if the audience demands the removal of politically incorrect content from a gallery space, is flawed and misplaced as it is ignorant of the fact that it takes place within the culture industry's predefined remit and logic.

  11. Freedom in art is confused/equated with 'Meinungsfreiheit' / freedom of speech or press freedom. 

  12. This highlights the confusion in the contemporary culture industry about what freedom in art actually is, where it comes from and how it could be protected.

  13. The call for total freedom of expression in art, under close inspection, turns out to be merely an extension of the call for a total democratisation of/in art - the demand that the artist can say whatever s/he likes.

  14. Just as the call for a democratisation of art has, paradoxically, not increased, but catastrophically undermined diversity and difference, has led to an unprecedented standardisation of art and suppression of true individuality, autonomy and freedom, in the same way the demand for an absolute freedom of speech in art devalues and undermines difference/that which is specific. 

  15. The demand for an absolute freedom of expression in art is a demand for an absolute rule of the law of sameness, of a total equality of everything, everyone and every idea.

  16. Every one is an artist. Every thing is art. Whatever the artist says must automatically be art. Every content and opinion must be accepted as the content of art in order to prove the absolute freedom of art.

  17. This demand, instead of extending the boundary of art, reigns it in and smothers difference, quality, substance and freedom.

  18. The demand that the artist MUST be 'free' to say anything is Janus-faced, showing only its alleged democratic face to the media, the journalists and critics who all love to get embroiled in and hyped-up by the provocation, quoting each other in endless circles. 

  19. In the glare of the spectacle, they are blinded to the fact that the nature of freedom of speech is of an essentially different nature from artistic freedom.

  20. The understanding of what it actually means for an artist to be free, self-determined and autonomous, and of what 'autonomous art' is, has become utterly confused in the contemporary 'discourse' (if one can call it that).

  21. The contemporary debate portrays, denounces and sidelines autonomous art as a merely formal and aesthetic exploration.

  22. As so-called autonomous art does not deal with issues of political correctness, the daily news and so on (deemed essential by the CI's standards), it is therefore deemed irrelevant and obsolete. However, this sidelines and suppresses a key feature of autonomous art.

  1. Autonomous art is art which has, and seeks to solve, an art-intrinsic 'problem'​.

  2. This 'problem' is not art-external. 

  3. Art can only produce, address and seek to solve problems defined in and through art itself. ​

  4. The 'problem' is the root, cause, and foundation of the potential, autonomy, and freedom of art.

Freiheit

 

 

der

 

Die Frage nach der Autonomie und Freiheit von Kunst und Künstlern ist meiner Meinung nach weiterhin absolut zentral für jeglichen Kunstdiskurs, daher bin ich froh, dass Sie diese Frage in den oeffentlichen Diskussion bringen. Jedoch möchte ich Ihrer Analyse auf's schärfste widersprechen.

 

Auf dunkler Scholle

Kunst muss autonom sein, davon waren Linke und Liberale lange überzeugt. Doch das verändert sich gerade. Jetzt treten rechts gesinnte Künstler als letzte Verteidiger der Kunstfreiheit auf – mit weitreichenden Folgen

 

Wie kann das sein? War die Freiheit der Kunst nicht eine der größten Errungenschaften der modernen westlichen Gesellschaften? Erlangte die Kunstfreiheit nicht sogar Verfassungsrang, weil man weithin anerkannte, dass relevante Werke nur entstehen, wenn Künstler sich nicht an ästhetische oder moralische Konventionen halten müssen?

 

Doch nun gerät die Idee der Autonomie gleich doppelt in die Defensive. Zum einen durch linke Intellektuelle und Kuratoren, die in postmodernen Diskursen sozialisiert und von »Postcolonial Studies« geprägt sind.

 

Sie begreifen freie Künstler als eine privilegierte Elite, die, gerade weil sie radikal sein darf, schnell überheblich wird und damit unsensibel für die Erfahrung von Minderheiten und Unterdrückten.

 

Entsprechend scheint die autonome Kunst ungeeignet, die Gesellschaft auf dem Weg zu mehr Gleichberechtigung voranzubringen.

 

Zum anderen wird die Idee autonomer Kunst infolge der Globalisierung fragwürdig. So stammen die Akteure bei Auktionen, Museumsgründungen oder Biennalen immer häufiger aus Asien, Afrika oder der arabischen Welt. Viele folgen einem anderen, nicht westlichen Kunstverständnis. So ist ihnen eine Unterscheidung wie die zwischen freier und angewandter Kunst oftmals fremd. Sie haben auch kein Problem damit, wenn Kunst als Luxusprodukt behandelt wird oder eher zur Repräsentation als zur Sinnstiftung dient.

 

Die paradoxe Folge dieser Entwicklung: Die Kunstautonomie, zwei Jahrhunderte lang das Ideal gerade linker und liberaler Milieus, wechselt die Seiten. Plötzlich passt sie besser in das Weltbild von Rechten.

 

Für sie nämlich sind Vertreter postmoderner und weltoffener Milieus – die »ortlosen, global mobilen ›Any-wheres‹«, wie AfD-Chef Gauland sie nennt – ohnehin schon erklärte Feinde, und wer für die Heimat eintritt und stolz auf Traditionen ist, kann auch in autonomer Kunst eine spezifische Errungenschaft der westlichen Kultur sehen. Der Künstler müsse sich »aus tiefster Notwendigkeit gegen das Gewissen seiner Zeit stellen, um sich jene Unabhängigkeit zu bewahren, welche die Kunst von ihm fordert«. So formuliert es Frank Lisson, ein bei Rechten beliebter Kulturphilosoph, der im selben Atemzug davon schwärmt, »die beste Kunst« entstehe »in Zeiten der Unterdrückung«, verlange also mutige, willensstarke Kämpfer (»Kultur ist stets männlich«). Solche Töne gefallen etwa dem Maler Sebastian Hennig, der in den 1990erJahren in Dresden studierte und unterdessen für Pegida aktiv ist. Wenn er schreibt, Kunst »ist die Freiheit« und »wächst mit der Freiheit, die sich der Künstler nimmt«, mögen viele ihm noch zustimmen. Doch was, wenn er seinen Kollegen vorwirft, sie vergäßen, dass »die Schönheit das Bedeutendste« sei und »der Mensch, zumal der nackte, der wichtigste, höchste, ja hehrste Anlass der bildenden Kunst«?

 

Auf Hennigs eigenen Bildern gibt es eher schöne Landschaften und Stillleben als nackte Menschen, und für sich genommen würde man ihnen die Gesinnung ihres Urhebers nicht ansehen – sie sind so konventionell und unverbindlich wie die allgemeine Beschwörung der Freiheit der Kunst. In Hennigs Schriften ist jedoch der Hass auf alles Linke und Multikulturelle nicht zu überlesen. Er grollt gegen die »Franzosenwirtschaft an der Kunsthochschule« – gegen »Picasso-Freaks unter den Professoren« –, die er damit provoziert habe, dass er »Hunderte Seiten« eines Romans des (antisemitischen) Heimatschriftstellers Wilhelm von Polenz »in Textur und Fraktur mit Stahl- und Gänsefeder auf Lithosteine geschrieben« und »auf Büttenpapier gedruckt« habe. Und Frauen spricht er jegliche Begabung ab, behauptet sogar, sie würden infolge der Hässlichkeit ihrer Werke selbst hässlich. Kunstautonomie in ihrer Rechtsaußen-Version, das zeigt sich an diesem Beispiel, verlangt vom Künstler, das Eigene und Schöne heroisch-männlich zu verteidigen. Mit dieser Haltung empfahl sich Hennig auch bei Björn Höcke, der ihn als Interviewpartner für sein 2018 erschienenes Buch Nie zweimal in denselben Fluss wählte. Davon hielt ihn nicht einmal ab, dass Hennig zum Islam konvertiert ist – vielleicht weil man Antimodernist, Antifeminist oder Antisemit als Muslim genauso gut sein kann wie als Rechtsextremer?

 

Einige Motive rechten Denkens finden sich selbst bei berühmteren Künstlern, allen voran bei Neo Rauch. Zwar liegt dem Leipziger Maler so etwas wie Antisemitismus fern, und er würde wohl auch nicht in die Niederungen der Politik herabsteigen. Dafür sieht er sich viel zu sehr als autonomen Künstler – und die Mischung aus Radikalität und Pathos, mit der er in Interviews auftritt, lässt sich nicht zuletzt daraus erklären. Doch trägt er aufgrund seiner Prominenz mehr als andere zur Verschiebung des politischen Klimas bei. Vor allem bedient er ein in Ostdeutschland beliebtes Narrativ, wonach Deutschland zu einer DDR 2.0 geworden sei. Wie vor 1989 sieht er sich umgeben von einer »Bagage der Blockwarte, Gesinnungsschnüffler und der Politkommissare«, die »wieder da« seien. Noch schärfer wird er, wenn er den Dresdner Schriftsteller Uwe Tellkamp, der sich seinerseits in einem »Meinungskorridor« gefangen fühlt und dafür hart kritisiert wurde, zum »Wiedergänger Stauffenbergs«, also zu einem opferbereiten Widerstandskämpfer heroisiert.

 

Sollte der heutige Staat wirklich eine menschenverachtende Diktatur sein? Und was ist davon zu halten, wenn Rauch Feministinnen mit den Taliban vergleicht? Blickt man auf seine Bilder der letzten Jahre, legen Titel wie Vaters Acker oder Fremde ebenfalls eine politische Deutung nahe. Der Acker ist eine ziemliche Scholle, und die Himmel sind unheilschwanger, allerdings waren sie das bei Rauch auch schon lange vor seinen politischen Äußerungen. Daher wäre es zu einfach, seine Kunst als Illustration politischer Überzeugungen lesen zu wollen. Zumindest aber weicht er damit der verhassten Gegenwartsgesellschaft aus. Im Spiel mit leicht surrealen Bildräumen schafft er eine autonome Gegenwelt, mit viel Platz für unerfüllte Sehnsüchte. Auch andere Künstler aus dem Umkreis der Leipziger Schule malen solche Bilder. Einer von ihnen ist Axel Krause, der 2018 in die Schlagzeilen geriet, weil seine Galerie die Zusammenarbeit mit ihm aufkündigte – wegen FacebookPosts des Künstlers, in denen er die Meinung vertrat, in einem Unrechtsstaat à la DDR zu leben. Da Krauses Bilder einen apolitischen Charakter haben – verträumte Landschaften, melancholische Interieurs –, hätte die Galerie auch nicht behaupten können, sie sei mit den Aussagen seiner Kunst nicht einverstanden. Umgekehrt vermag sich der Maler in die Tradition dissidenter DDRMalerei zu stellen, die sich oft in imaginäre Welten flüchtete, um Konflikte zu vermeiden. Krause beruft sich ebenfalls auf die Autonomie und sagt, dass ein Bild »zweckfrei« und »um seiner selbst willen« »zur Welt gebracht« werden solle. 16.05.19, 07:18 https://epaper.zeit.de/webreader-v3/index.html#/870489/42 Seite 5 von 6 Paradoxerweise dient die Kunst vieler rechts stehender Künstler also gerade nicht dazu, rechte Thesen zu veranschaulichen. Wegen dieses Vakuums kommt es gelegentlich sogar vor, dass Kunstwerke aus ganz anderen weltanschaulichen Zusammenhängen herausgerissen und politisch besetzt werden. So verwendete der AfD-Politiker Nicolaus Fest auf seiner Website die Abbildung einer Stahlskulptur der Hamburger Künstlerin Rahel Bruns, die den Bundesadler in stark deformierter Form zum Gegenstand hat. Als die Arbeit 2007 entstand, war sie von Bruns als linksautonome Geste gegen Obrigkeit und Staatsmacht gedacht – zehn Jahre später geriet sie zum Logo für einen rechten Politiker, der damit zum Ausdruck bringen wollte, für wie skandalös ramponiert er den Zustand des Staates hält. Vielleicht wird die nächste Generation rechtsgerichteter Künstler die Politik mit den passenden Bildwelten versorgen. Doch selbst wenn das ausbleibt, sind die Folgen der Rechtsverschiebung für die Kunstwelt gravierend. Dass die Idee autonomer Kunst von links mit Misstrauen belegt und von rechts adoptiert wird, verändert ihren Charakter. Bedeutete Autonomie für die Künstler früher vor allem Unabhängigkeit von materiellen Statussymbolen und Publikumsgeschmack, wird daraus nun ein wehrhaftes Auf-sich-gestellt-Sein. Man sieht sich lieber als Opfer (der »linksversifften« Verhältnisse) und Held (eines völkischen Widerstands) denn als subkultureller Außenseiter, und die Distanz zur Gesellschaft lebt man nicht mehr als Bohemien aus, sondern begibt sich in eine Wahlverwandtschaft zu Reichsbürgern und Preppern, die sich in ihrem Bunker auf die finale Katastrophe vorbereiten. Autonomie, das heißt bei rechts stehenden Künstlern: Sie ziehen sich so stark auf eine streng eingehegte westlich-europäische Identität zurück, dass die Begriffe »autonom« und »identitär« im Extremfall ineinander verschwimmen. 16.05.19, 07:18 https://epaper.zeit.de/webreader-v3/index.html#/870489/42 Seite 6 von 6 »Autonomie« wird so zum Kampfbegriff; mit der langen Tradition von Schiller bis Adorno hat sie nichts mehr zu tun. Deren Autonomiebegriff dürfte umso stärker erodieren, je mehr rechtsautonome Strömungen den Begriff für sich reklamieren. Denn alle, die ihn ohnehin schon problematisch fanden, fühlen sich nun bestätigt. War das nicht immer schon eine sehr männliche, sehr weiße Idee? Doch sollten sich die Kritiker auch fragen, ob diese Idee nicht auch anders gedacht werden könnte. Sollte Kunstautonomie wirklich so schlecht sein, dass man sie den Rechten einfach überlässt? Gibt man damit nicht die Möglichkeit preis, etwas zu machen, das sich von den Standards der Gegenwart emanzipiert? Autonome Kunst kann und darf mit anderen Weltbildern und Regeln experimentieren. Sie besitzt die Lizenz, beliebige Fiktionen zu entwickeln oder sich allen Erwartungen zu verweigern. Das ist ihre Stärke, und es ist noch nicht zu spät, diese Stärke neu zu entdecken. Der Kunsthistoriker Wolfgang Ullrich lebt in Leipzig; zuletzt erschien von ihm: »Selfies« (Wagenbach) Ist das jetzt rechte Ästhetik? »Schläfer« von Axel Krause, gemalt 2001

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